2021年9月15日

ヴィキングル・オラフソンの「モーツァルト&コンテンポラリーズ」

●ヴィキングル・オラフソンの最新アルバム「モーツァルト&コンテンポラリーズ」を聴いた。タイトルだけ見ると、モーツァルトと現代音楽を組み合わせたのかな?と誤解しそうになるが、そうではなく、「モーツァルトとその同時代の作品」という意味。モーツァルトのピアノ・ソナタ第14番ハ短調やロンド、アダージョなどの小品に、ガルッピ、チマローザ、C.P.E.バッハ、ハイドンの作品が加わっている。オラフソンのコンセプトは個々の作品をただ並列するのではなく、アルバム全体としてひとつの作品にするというもの。「編集」的な視点による再創造というか。オラフソン自身は「私の他のアルバムと同様、コラージュ作品」と言っている。
●で、特に目をひいたのはモーツァルトの幻想曲ニ短調 K.397。この曲は厳密には未完成の作品で、ニ長調のコーダの最後の10小節が他人による補筆だと知られている。でも、そのあたりは気にせずに、モーツァルトの作品として演奏されるのが一般的。この補筆がイマイチだと思う人は多いようで(内田光子の録音でも一工夫してあった)、オラフソンは失敗作と切り捨てている。で、短調のセクションで演奏を終わらせ、代わりにニ長調のロンド K.485をつなげて弾いている。他人の手が入ったニ長調のコーダをつなげるくらいなら、モーツァルト真作のニ長調をつなげたほうがいいだろうという発想で、おもしろい(先例があるのかどうかは知らない)。しかもこの幻想曲ニ短調に先立って置かれているのが、チマローザ~オラフソン編のソナタ第42番ニ短調。これはかなりオラフソンが原曲に手を入れているらしいのだが、モーツァルトの幻想曲ニ短調の序奏に同じ雰囲気でつながる趣向になっていて、トータルで3部作みたいな連なりができている。
●「モーツァルト&コンテンポラリーズ」と銘打っておいて、ガルッピの曲からスタートするのも味わい深い。




2021年7月16日

マリオ・ラスキンのアルベロ ソナタ集

●CDだったらたぶん買わなかった新譜でも、Spotify等の定額制ストリーミングだと、ふとした思いつきで聴くことはままある。比較的最近の新譜だと、マリオ・ラスキンというチェンバロ奏者によるセバスティアン・デ・アルベロのソナタ集がそのパターンで、おもしろかった。アルベロ(1722-1756)はスペインの作曲家なんだけど、Wikipedia英語版でも立項されていない(もちろん日本語でも)。聴いてみると、これがドメニコ・スカルラッティそっくり。自分にはぜんぜん区別がつかない。ソレール以上にスカルラッティ。もうジェネリック・スカルラッティと呼びたいくらい似てる。
●やはりスペイン王宮でスカルラッティと親交を持っていたようなのだが、年齢差がけっこうあって、1685年生まれのスカルラッティに対して、アルベロは1722年生まれ。余裕で親子くらいは年が離れている。ところが早世していて、没年はスカルラッティより1年早いことに気づいて、あれこれと思いを巡らせる。
●後で気づいたけど、アンドレアス・シュタイアーの「ファンダンゴ」にアルベロが2曲収められていた。ただし、そちらは「レセルカータ、フーガとソナタ」で、一味違う感じ。

2021年7月15日

アンドラーシュ・シフの「ブラームス ピアノ協奏曲集」

●発売から少し日が経ってしまったが、最近聴いた新譜のなかで、もっとも楽しめたのがアンドラーシュ・シフ独奏によるブラームスのピアノ協奏曲集(ECM)。シフが弾き振りでエイジ・オブ・インライトゥメント管弦楽団と共演している。Spotifyでも聴けるし、CDでもリリースされている。古楽オーケストラとの共演にあたって、シフは1859年頃制作のブリュートナー社のピアノを使っているそう。モダンピアノとはまったく異なる音色で、軽やかでニュアンスに富んでいる。シフはライナーノーツで(←CDに残された最後の特典)、現代の私たちは重量級のブラームスに慣れてしまったと指摘し、本来ブラームスの音楽は重たくも分厚くもなく、むしろ晴明で繊細であるという。
●きっと、それが真実なのだろう。一方で逆説的だが、このブラームスのピアノ協奏曲第2番を聴くと、これはとてつもなく巨大な音楽だと実感する。ひとつには独奏も管弦楽も楽器の性能を目一杯要求されるという点で、モダン楽器で聴くよりも音楽の大きさを痛感することもあるかもしれない。もうひとつは、やっぱりこれは録音だから。コンサートホールで聴くブラームスのピアノ協奏曲は、実はそんなに巨大でもないし重厚でもなく、むしろ多くの場合(自分の経験上)厚みのある響きを客席に届かせるのに苦労している。オーケストラの響きが分厚いとモダンピアノのフォルテッシモでさえ霞んでしまうし、かといって抑制的な鳴らし方では楽曲のスケールが伝わらない。でも、録音であれば1859年のピアノでも巨大な音像で再生される。一般に録音では近接的な音像が収められるので、ホールの客席というよりは独奏者の間近で聴いている感覚になる。このあたりの音像との距離感のマジックが、録音再生芸術のおもしろさか。ある意味、録音は客席よりも生々しい。

2021年5月19日

ロスレス配信時代の到来へ

昨日のAppleの発表によれば、6月よりApple Musicのカタログ全体がロスレスオーディオになる。一部の音源を対象とするのではなく、「カタログ全体」と言い切っているのが頼もしい。しかも、サブスクリプションの登録者は追加費用なし! プレスリリースに「Apple Musicのロスレスのレベルは、16ビット/44.1kHzのCD品質から、最大24ビット/48kHzまで」とあるので、ここでいうロスレスとはCD品質とハイレゾの両方を含んでいる(一部24ビット/192kHzも提供されるが対応デバイスが必要)。ファイルサイズが大きくなるので、利用者は明示的に設定をONにする必要があるようだ。
●そこで気になるのはライバルのSpotify。Spotifyはすでに今年2月に「今年の後半よりSpotify HiFiに音質をアップグレードする」と発表している。CD品質のロスレスオーディオを指しているのだが、日本が対象に含まれているのかどうかはわからず。料金体系も気になるところ。Apple Musicがこうなった以上、同水準のサービスを提供してくれるものと強く期待。
●これまでストリーミング配信といえば、原則としてなんらかの方式の圧縮音源を指していたが、今後はCDと同品質かそれ以上が標準になっていくのだろう。これがどれくらい歓迎されるのかはよくわからない。自宅のオーディオ装置でじっくり聴く人はロスレスを選ぶだろうし、主に屋外で聴く人はそもそも環境ノイズが多いのにデータ量が爆増するロスレスを求めようとは思わないかもしれない。いずれにせよ、ひとついいことがある。これで「ストリーミングはCDより音が悪いからダメだ」という話にならずに済む。正直なところ、自分にとって音楽をオーディオで楽しむうえで、音源のスペックに大した重要性はないのだが(スペック≠録音の質)、この点だけでも十分な意味がある。

2021年5月11日

Spotifyアプリでの再生回数

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●最近、Windows用Spotifyアプリのデザインが少し変更されて、トラックごとの再生回数が明示されるようになった。これまではメーターで大雑把な人気度がわかるだけで、再生回数を知るためにはマウスポインターを置いて一息待つ必要があったのが、今やどうやっても目に入る位置にバーンと表示されるように。そんなに見たい数字でもなかったんだけど、見えるとつい見ちゃうわけで、なんだか生々しい。
●で、この数字を見ると、かつての常識では判断できない人気度がうかがえる。つまり、メジャーレーベルのスターアーティストが有名曲を録音するとたくさん売れて、その逆だとあまり売れない……みたいな先入観を抱きがちだけど、そういうのは要注意だなと思った。たとえば、たまたま自分がお気に入りに入れていたアルバムなんだけど、ドイツハルモニアムンディ・レーベルの録音で、ボリス・ベゲルマンのヴァイオリンによるテレマンのヴァイオリン・ソナタ集がある。このアルバムでいちばん再生回数の多いトラック2は156万回も再生されている。スゴくないすか? これがドイツグラモフォンのネルソンス指揮ウィーン・フィルによるベートーヴェンの交響曲全集だと、いちばん多いトラックの「運命」第1楽章でも11万9千回。一桁少ない。ボリス・ベゲルマンのテレマンがネルソンス指揮ウィーン・フィルのベートーヴェンをぶっちぎる世界。
●もちろん、これはSpotifyに限った再生回数なので、Apple Musicとか他のサービスでは違った光景が広がっているのかもしれないし、レーベル側が特定トラックの再生回数が上がるようなプロモーションをしたのかもしれない。あるいは人気のプレイリストに収められたとか? いろんな背景があるのだろう。少しおもしろいなと思ったのはドゥダメル指揮ウィーン・フィルのムソルグスキー~ラヴェル「展覧会の絵」。このアルバムで「展覧会の絵」の各トラックは10万~30万回台程度の再生回数なんだけど、最後に入っているチャイコフスキー「白鳥の湖」ワルツは100万回を超える再生数で、このアルバムでは断トツ。ムソルグスキー・アルバムを制作したら、一番人気はオマケのチャイコフスキーだった、という形。こういう例は探せばいくらでもありそう。

2021年4月 6日

第63回グラミー賞のクラシック音楽部門

●3月14日、第63回グラミー賞が発表された。昨年、「グラミー賞のクラシック音楽部門」でもご紹介したように、この賞のラインナップは日本や欧州とはずいぶん違っていて、なかなか興味深い。よく知らない作曲家の名前がこういったメジャーな賞に並ぶのを見ると、「クラシック音楽」の範疇はわれわれが思っているほど万国共通でもないのかも、という気になる。
●まず、BEST ORCHESTRAL PERFORMANCE は、ドゥダメル指揮LAフィルによる「アイヴズ 交響曲全集」。これは納得で、自国を代表する作曲家とオーケストラのアルバム。王道すぎて、グラミー賞ではむしろ保守的なチョイスにすら映る。ちなみに昨年の同部門も同じくドゥダメル指揮LAフィルによるアンドリュー・ノーマンの「サステイン」だった。
●BEST CLASSICAL INSTRUMENTAL SOLOは、クリストファー・セオファニーディス(Theofanidis)作曲「ヴィオラと室内オーケストラのための協奏曲」で、リチャード・オニールのヴィオラ、デイヴィッド・アラン・ミラー指揮オルバニー交響楽団の演奏。BEST CHAMBER MUSIC/SMALL ENSEMBLE PERFORMANCEは、パシフィカ・クァルテットによる「コンテンポラリー・ヴォイス」で、シュラミト・ラン、ジェニファー・ヒグドン、エレン・ターフィ・ツウリッヒの作品が収められている。ほら、「その作曲家、だれ?」ってならないっすか。
●BEST CLASSICAL SOLO VOCAL ALBUMは、ソプラノのサラ・ブレイリー、バリトンのデション・バートン、ジェイムズ・ブラッチュリー指揮エクスペリエンシャル管弦楽団&合唱団によるエセル・スマイス作曲の交響曲「刑務所(ザ・プリズン)」。ちなみにスマイスは19世紀後半から20世紀前半にかけて活躍したイギリスの作曲家で、女性参政権運動家としても知られるそう。BEST OPERA RECORDINGは、デイヴィッド・ロバートソン指揮メトロポリタン・オペラによるガーシュウィンの「ポーギーとベス」、BEST CHORAL PERFORMANCEは、リチャード・ダニエルプール作曲のオラトリオ「イェシュアの受難曲」で、ジョアン・ファレッタ指揮バッファロー・フィル&合唱団他。
●BEST CONTEMPORARY CLASSICAL COMPOSITIONは、クリストファー・ラウズ作曲の交響曲第5番で、ジャンカルロ・ゲレーロ指揮ナッシュヴィル交響楽団。クリストファー・ラウズは2019年に世を去った作曲家。通常部門に存命中の作曲家がどんどん登場するのに、現代部門が故人というのが珍しい感じ。たしかこの部門は最近25年以内に作曲された作品が対象だった。25年より前はもうコンテンポラリーとは言えないというのはもっともな話。ほかにもいくつかクラシック関連部門があるが、主だったところはこんなところ。グラミー賞は日本のクラシック音楽業界ではさっぱり話題にならないが(日本人が受賞しない限り)、ラインナップは刺激的だ。

2021年2月22日

サーリアホのオペラ「オンリー・ザ・サウンド・リメインズ」DVD

●DVDでサーリアホのオペラ「オンリー・ザ・サウンド・リメインズ」を観る。このオペラ、日本の能の「経政」(経正)と「羽衣」が題材となっている。今年6月に東京文化会館で新演出による日本初演が予定されているのだが、このDVD(ERATO)は2016年3月、オランダ国立オペラで世界初演された際のライブ。演出はピーター・セラーズ、独唱者はフィリップ・ジャルスキーとダヴォン・タインズの2名のみ。ダンサーにノラ・キンバル=メントス。アンドレ・デ・リッダー指揮オランダ国立オペラ・オーケストラのメンバーによる少人数のアンサンブルにエレクトロニクスが加わる。
●第1部が「経政」、第2部が「羽衣」という二部構成になっていて、第1部ではジャルスキーが経政(の霊)、タインズが行慶を、第2部ではジャルスキーが天女、タインズが漁師の白龍を歌う。第2部ではジャルスキーのほかに、天女の舞を表現するダンサーがいるという趣向。音楽から受ける印象は、以前に東京オペラシティのコンポージアムやMETオペラビューイングで観た同じサーリアホの「遥かなる愛」にかなり近い。一部を除いて身振りの控えめな音楽で、途切れることなく抒情的な楽想が連綿と続く。カンテレが琵琶を、フルートが尺八を思わせる響きを生み出すが、舞台そのものに日本的要素は希薄なこともあり、いつともどことも知れないアルカイックでエキゾチックな世界といった趣。繊細ではあっても、雄弁な音楽とは言えないので、DVDだと正直なところ長さを感じるのだが、舞台であればダンサーや演出面のインパクトでまた違ってくるのかも。
●「経政」は、僧の行慶が生前の経政が愛用した琵琶「青山」を仏前に据えて弔っていると、経政の幽霊が現れて、琵琶を奏で、舞に興じる……という話だと思うのだが、これはピーター・セラーズの解釈なのかなあ、なんと、行慶と経政はエロティックな関係になるのである! キスシーンあり。そ、そうだね……たしかに「経政」、能のあらすじを読めば(そうは一言も書いてないけど)そういう解釈は成立する。夜中に男ふたりが音楽と舞を楽しんでいて、しかもひとりは幽霊なんだし(本来の能にそういった含意があるのかどうかは、門外漢なので知らない)。
●「羽衣」は漁師の白龍が天女の羽衣を見つけて、家宝にしようと思うんだけど、天女から返してほしいと嘆願されるというお話。白龍は天女の舞を見せてもらうことと引き換えに、羽衣を返す(オペラ的文脈からすると「サロメ」を思い出すところ)。これは本来、穏やかな春の日のほっこりするような話だと思うんだけど、演出上は「経政」のおどろおどろしい雰囲気をそのまま受け継いでいて、やたらと悲壮感や緊迫感が漂っている。
●6月の東京でのプロダクションはオペラ「Only the Sound Remains -余韻-」と銘打たれていて、アレクシ・バリエールの演出、森山開次の振付・ダンス、ミハウ・スワヴェツキのカウンターテナー、ブライアン・マリーのバス・バリトン他。ピーター・セラーズとはぜんぜん違った舞台になるものと期待。

2021年1月29日

その交響曲にシンバルは一発だけ チャイコフスキー 交響曲第5番

●「シンバルの出番が一回だけ」名曲といえば、なんといってもドヴォルザークの「新世界より」が有名だが、場合によっては、チャイコフスキーの交響曲第5番もそのひとつに挙げられるかもしれない。ジョージ・セルやメンゲルベルクの録音を聴くと、第4楽章のコーダで一発シンバルがジャーン!と鳴っている。「新世界より」でのシンバルが意味ありげに(おそらくは鉄道的な文脈で)、やや控えめに鳴らされるのに対して、こちらは堂々たるクライマックスの一撃。で、これは昔の巨匠が演奏効果を狙って勝手に作り出した演奏習慣かと思いきや、そう単純な話でもないようだ。このシンバルはチャイコフスキー本人の意図を反映したものという見解があって、Breitkopf & HärtelのChristoph Flamm校訂のスコアにはad libitum(随意に)ながらシンバルが入っているという。えっ、そうなの?と思ってサイト上の見本を見てみたら、たしかに楽器編成にシンバルが含まれている(続く序文に説明あり)。
●出版譜として出たとなると、現代の指揮者にもシンバルを採用する人が出てきそうなものだが、最近の録音に例はあるんだろうか。録音で聴いた限りは「蛇足」とも感じるが、いったん慣れると「ないと物足りない」になるのかも。Spotifyで聴ける人は、以下のトラックで効果を確かめるのが吉(10分半くらいからどうぞ)。



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